Baroque

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Le complexe haut baroque de l' abbaye de Melk a été construit entre 1702 et 1746 par Jakob Prandtauer
Façade jardin du château de Versailles . Il a été construit à partir de 1668, en fait rajouté, puisqu'un pavillon de chasse plus ancien forme le noyau du complexe.
Deux des palais de Baldassare Longhena: à l'avant droit le Palazzo Giustinian-Lolin (de 1623), plus en arrière sur la rive opposée le Ca 'Pesaro (1652–1710) sur le Grand Canal à Venise.
La Fontana dei Quattro Fiumi (Fontaine des Quatre Fleuves) devant la façade de l'église de Sant'Agnese in Agone à Rome. Bernini l'a créé en 1649 comme point focal de la Piazza Navona .
Gianlorenzo Bernini a conçu la statue de Sainte Thérèse dans l' église de Santa Maria della Vittoria à Rome.

Le baroque est une période de l'histoire de l'art qui a commencé au début du XVIIe siècle, à certains endroits - en particulier dans les zones qui ont été des scènes de la guerre de Trente Ans - un peu plus tard. Selon la situation géographique (la construction baroque a pris plus de temps dans les zones rurales que dans les zones urbaines), l'époque a duré jusqu'au dernier tiers du XVIIIe siècle. Selon la situation géographique, les formes et les développements artistiques sont parfois différents ; au sein de l'Europe, les différences sont plus marquées du sud au nord. [1] Une subdivision grossière en trois ou quatre sous-époques est courante, mais la démarcation chronologique ne peut pas être clairement déterminée : baroque primitif (jusqu'en 1650 environ),Haut baroque (vers 1650–1700), baroque tardif (vers 1700–1730) [2] et rococo (vers 1730–1760/70). De nos jours, le baroque tardif et le rococo sont souvent assimilés, dans certains endroits - notamment dans le sud de l'Allemagne, où le rococo était très populaire - son art est évalué indépendamment.

Le baroque a été précédé par les périodes de la Renaissance et du maniérisme (principalement limités à ce qui est aujourd'hui l'Italie), et a été suivi par le classicisme .

Le pionnier et le principal représentant du baroque était l' Italie , d'où le mouvement s'est répandu - régionalement sous différentes formes - à travers l'Europe et le monde. L'art baroque est expressif, émouvant/dynamique, parfois émotionnel et souvent caractérisé par la splendeur de l'architecture et de la décoration intérieure selon le projet de construction et le client. Dans la France de Louis XIV , contrairement à la plupart des autres pays européens, un style plus modéré prévalait, le baroque classique (classicisme)est appelé. La construction du château de Versailles marqua le début de cette évolution, qui fut copiée au plus près par les princes allemands, jusque dans les plus petites principautés. [3]

Cependant, le baroque n'affecte pas seulement l'architecture, la sculpture et la peinture, mais aussi la musique, la littérature et la philosophie, qui se développent également de manière complètement différente selon les pays. L'Italie a été le précurseur dans le domaine de la musique, tandis que la France était à nouveau le leader de la littérature et de la philosophie (en philosophie également influencée par l'Angleterre), l'apogée étant atteinte au XVIIIe siècle - au siècle des lumières . ).

Origine et signification des mots

Le mot baroque est le rare exemple d'un nom qui existe dans les trois genres : « der Barock », « das Barock », mais « die Barocke » est également possible, vraisemblablement comme une version abrégée de l' époque baroque . Les formes masculines et neutres sont les plus utilisées : le baroque et le baroque apparaissent à peu près également souvent.

Le terme baroque vient du portugais - la perle de forme irrégulière s'appelait barroco , qui est encore appelée aujourd'hui perle baroque . [4] Dans le calendrier de cour de Gotha de 1765 on peut lire que « les perles (sont) divisées en perles rondes, piriformes, baroques ou malformées, en perles de poussière et en perles numérotées ». A partir de cette époque, l'usage de l'adjectif baroque ou - comme on l'écrivait à l'époque - baroquedéjà naturalisé. En conséquence, la perle baroque a également connu une grande popularité à l'époque du même nom (depuis la fin du XVIIe siècle). Depuis lors, il a souvent été incorporé dans des bijoux très artistiques. La désignation de l'époque culturelle baroque existe depuis le XIXe siècle.

Depuis 1855, le terme a été utilisé par Jacob Burckhardt - d'abord dans son œuvre Cicéron de manière péjorative, plus tard de manière neutre. L'attitude négative et l'évaluation négative associée peuvent également résulter de la richesse souvent excessive de la décoration de certains édifices religieux (baroques).Une attitude essentiellement subjective domine, qui utilise souvent l'époque de la Renaissance plutôt froidement calculatrice (note : précédente) comme norme d'évaluation. Il faut également considérer qu'une évaluation négative du baroque est souvent basée sur un manque d'informations et ignore le fait de son apparence complexe". [5]

Pendant longtemps, les gens du XIXe siècle ont été ambivalents face à l'époque baroque : certains, comme les frères Goncourt , ont été parmi les premiers à faire l'éloge de l'art, tandis que d'autres l'ont critiqué, jusqu'à ce que finalement tout le monde soit saisi d'un élan d'enthousiasme et que l'on commence dire "néo-baroque" construire, sculpter et peindre. Le résultat était souvent des œuvres d'art déformées et peu attrayantes qui n'avaient rien à voir avec le baroque. L'époque de l'historicisme, dans laquelle presque tous les styles historiques ont été repris, parfois même dans un seul bâtiment, était probablement la principale raison pour laquelle le baroque est souvent perçu comme "kitsch" encore aujourd'hui.

Le terme a été transféré à tous les domaines de l'art, y compris la musique, la littérature et toute l'histoire culturelle, et est maintenant utilisé comme terme général d'époque historique .

caractérisation

Fresque au plafond de la Wilhering Collegiate Church : des parties du tableau (anges et nuages) deviennent tridimensionnelles et se fondent dans le cadre en stuc

Un trait caractéristique du baroque est la tendance à l'œuvre d'art totale. Tout ce qui a été construit ou créé artistiquement à cette époque doit avoir une caractéristique commune et former des ensembles harmonieux. Cela se voit particulièrement bien dans les églises baroques encore existantes, dans lesquelles l'architecture, la sculpture et la peinture non seulement s'harmonisent, mais se confondent même - un putto, un nuage ou un rideau au bord d'un tableau peut soudainement prendre une forme tridimensionnelle sous la forme de stuc accepter. Ou des colonnes tendent vers une peinture de plafond et s'y transforment en pseudo-architecture. De plus, l'art doit continuer du bâtiment dans le paysage. Un bon exemple est le château de Versailles , où le parc avec les pièces d'eau, le canal, leLes bosquettes et les bordures de fleurs font partie intégrante de l' œuvre d' art globale et relient le bâtiment à la nature environnante.

Vue de la ville de Karlsruhe (1721), exemple typique du centralisme émanant de Louis XIV : de même qu'à Versailles toutes les lignes tendent vers le centre du palais, là où se trouve le lit du roi, à Karlsruhe toutes les lignes convergent également vers le centre de la palais margravial.

L'époque baroque a remplacé l'art de la renaissance, qui visait l'unité et le calme. En partie, la structure claire et les éléments de forme classiques tels que les colonnes , les pilastres , l' entablementreprise, mais qui s'est encore développée architecturalement. L'amour de la symétrie se voit mieux dans les façades (principales): un nombre irrégulier de parties principalement en saillie et en retrait du bâtiment culmine au milieu, où un élément de construction multiaxial est souvent couronné par des pignons triangulaires ou segmentaires. Un portail au centre est généralement magnifiquement décoré de décorations de colonnes ou de pilastres, de statues et des armoiries du constructeur. D'une manière générale, il y avait une grande variété de formes et une joie du mouvement, tant en architecture (courbes concaves-convexes sur la façade, mouvement de l'entablement continu dû aux saillies et évidements de la maçonnerie) qu'en sculpture et peinture. La plupart des oeuvres d'art de l'époque semblent être soufflées par un vent

Contrairement à la Renaissance, qui était une époque façonnée par la bourgeoisie, le baroque s'est développé en une ère de princes. Le roi Louis XIV invente – en fait pour lui-même – l'absolutisme . Sa devise est L'état c'est moi , l'expression architecturale de cette concentration sur sa propre personne se retrouve dans l'architecture. Sa chambre, son lit royal, d'où il règne, forme le centre du château de Versailles. Ses idées sont volontiers adoptées par les princes, même les plus petites principautés. [sept]

Après la Contre-Réforme , l' Église catholique romaine s'est souciée de reconquérir les croyants apostats, et elle a profité du fait qu'elle était la seule puissance sortie victorieuse de la guerre de Trente Ans . Cela était désormais célébré dans de nombreuses églises nouvellement construites dont l'architecture et la décoration intérieure étaient destinées à impressionner ceux qui y entraient (comme ce fut le cas à l'époque gothique). L'architecture et les arts ont voulu émerveiller et bouleverser, l'étalage de splendeur a connu un nouveau sommet. À la suite de ce développement, la plupart des églises baroques ont été construites dans les pays catholiques d'Europe, ainsi qu'en Amérique du Sud et centrale ., tandis que les zones protestantes ont continué à adhérer à l'architecture gothique.

La forme d' art qui reflétait particulièrement l' air du temps et le sens du temps du baroque et qui combinait plusieurs arts à la fois était l' opéra , créé en Italie vers 1600 . La musique, le chant , la poésie , la peinture , l' architecture (illusoire) et les effets nouveaux et étonnants de la machinerie scénique , qui pouvait comprendre des feux d' artifice et des pièces d' eau , tendaient, comme l'architecture, vers l'œuvre d'art totale.

Comme aux époques précédentes, des règles ont également été créées à l'époque baroque, dont l'ouvrage Perspectiva pictorum et architectorum d' Andrea Pozzo (en plusieurs éditions à partir de 1693) avec des instructions théoriques et pratiques était l'un des plus populaires pour l'architecture et l'art. Mais il y avait aussi des règles artistiques et des « modes d'emploi » pour la production d'œuvres d'art. Entre autres choses, en 1624 , Martin Opitz a écrit le livre von der Deutschen Poeterey , la première poétique des règles en langue allemande avec des instructions pour la poésie basée sur des règles pour presque tous les genres. En France, l' Académie française a fixé les normes du théâtre de règlefermement, ce à quoi Gottsched a continué. En musique, les systèmes de notation ont été perfectionnés afin d'augmenter la reproductibilité et la précision du jeu dans des ensembles de plus en plus grands. [8ème]

Parallèlement à l'architecture et à l'art, le baroque a également créé des règles et des normes pour la vie quotidienne, qui réglementaient surtout la manière dont les gens étaient traités jusque dans les moindres détails. Le développement a atteint son apogée dans le cérémonial baroque , qui réglementait non seulement le comportement correct à une cour impériale ou royale, mais aussi le comportement des sujets. La cérémonie de salutation a été élaborée de manière particulièrement précise, avec une description détaillée de qui (une personne socialement inférieure) prend qui (une personne socialement supérieure) pour franchir combien de marches. Ce faisant, par ex. B. se rapprocher dans la cage d'escalierimportance particulière, qui, à l'époque baroque, dans le cadre de l'architecture, était meublée aussi grande et solennelle que possible. En général, on peut affirmer que l'œuvre d'art totale englobe toutes les parties de la vie. Ceux qui allaient parmi les gens dans des tenues (pompées) et avec des manières parfaites jouaient en fait du théâtre . Vivre, saluer, se mettre en scène, tout en respectant certaines règles, ne s'était sans doute jamais et depuis jamais déroulé de manière aussi sophistiquée.

Arts visuels

architecture

L'église de San Carlo alle Quattro Fontane à Rome, construite par Francesco Borromini, est l'une des plus anciennes avec une façade incurvée concave-convexe.

L'art baroque a connu un apogée particulier dans l'architecture . Les bâtiments Renaissance fermés, souvent austères et d'allure lourde, ont connu une mutation par rapport au XVIIe siècle - à commencer par l'Italie - qui s'observe surtout sur les façades. Si au début de l'aménagement il existe encore une structure similaire à celle de la Renaissance (les étages individuels sont encore séparés les uns des autres par une corniche transversale ou un entablement, voir la façade d' Il Gesù à Rome), colonnes, pilastres et frontons sont progressivement installés, couronnes de fenêtres et dômes comme décorations festives sur le bâtiment. Une ornementation riche et une forte insistance sur le centre sont les principales caractéristiques de l'architecture, dont les composants au fil du temps oscillent, concaveset passez sur des formes convexes .

Les intérieurs deviennent plus lumineux. Dès la construction du château de Versailles, il est devenu à la mode d'utiliser des fenêtres plus grandes, qui laissaient entrer plus de lumière dans le bâtiment et y étaient même augmentées par l'utilisation de miroirs. La Galerie des Glaces marque le début du développement qui s'est propagé de la France à l'Europe. De plus, il y a la joie de jouer avec la lumière. Des effets de lumière sont utilisés qui étonnent le spectateur, qui souvent ne peut pas reconnaître leur origine. Francesco Borromini a été l'un des premiers à travailler dans l'église de San Carlo alle Quattro Fontaneutilisé cet art. La lumière - mais aussi la perspective sophistiquée du dôme à l'intérieur - représentent un des premiers points forts de l'aménagement, bientôt copié partout par les architectes et les maîtres d'œuvre. La sculpture et la peinture sont intégrées dans la décoration des façades et des intérieurs afin d'évoquer des effets surprenants de la manière la plus variée. La personne qui entre et demeure dans une église doit être frappée par la beauté et la splendeur qui symbolisent la gloire de Dieu. [9]

Origine en Italie

L'église Il Gesù à Rome, que Giacomo Vignola a construite entre 1568 et 1584, est devenue le modèle architectural de plusieurs édifices religieux jésuites ultérieurs.

L'architecture baroque italienne commence à Rome, qui devient le centre incontesté de l'art au milieu du XVIIe siècle. Toute l'architecture des provinces - autrefois importantes - a été dépassée par les bâtiments de Gian Lorenzo Bernini et de Francesco Borromini en peu de temps. Une exception était Guarino Guarini , qui a construit à Messine, Modène et Turin et a livré des projets aussi loin que Lisbonne, Paris et la Bohême. Cependant, en tant que mathématicien et philosophe à proprement parler, en tant qu'architecte, il était un dilettante.

Rome était la ville des papes qui, tels des princes séculiers, voulaient léguer leur renommée à la postérité avec des témoins de pierre. Le pape Paul V s'est attaqué à l'achèvement de Saint-Pierre . Carlo Maderno a créé la nef et la façade donnant sur la place Saint-Pierre. Il est considéré comme l'architecte le plus important du début du baroque romain, qui s'est distingué non pas tant en inventant de nouveaux types qu'en assouplissant et en élargissant le langage formel. Sous le neveu du pape Paul V, le cardinal Scipione Borghese, le Palazzo Borghese et la Villa Borghese ont été construits, qui sont devenus célèbres moins pour l'architecture de Vasanzio que pour les riches collections de leur propriétaire. Sous le règne du pape Urbain VIIIle Palazzo Barbarini a été construit sous la direction de Carlo Maderno, qui était encore considéré comme le principal architecte. Francesco Borromini a également travaillé dans son atelier, mais la première commande majeure du pape Urbain VIII est allée au Bernin, qui a exécuté le tabernacle (probablement en collaboration avec Borromini) sur la tombe de Saint-Pierre. Outre le pape, d'autres institutions ecclésiastiques assumèrent le rôle de mécènes de l'architecture. Ainsi Borromini crée son premier bâtiment indépendant avec l'église de San Carlo alle Quattro Fontane , dont la façade concave-convexe fortement incurvée représente un exemple précoce de la façade mouvante. Le remodelage de la basilique du Latran a également été confié à Borromini. Pour le pape Clément IXBernini a créé les anges de l'Engelsbrücke peu de temps avant sa mort. Cependant, l'époque du grand patronage papal était maintenant révolue et le développement ultérieur de l'architecture baroque s'est déplacé vers la France, où, sous l'influence de Colbert et plus tard du roi Louis XIV, elle a été réglementée et développée dans une direction différente - la direction classique. . [dix]

répandu en Europe

Les secousses de la guerre de Trente Ans ont entravé le développement artistique en Europe centrale, qui dans le Saint Empire romain germanique était initialement sous l'influence de modèles italiens mais aussi sous la domination d'artistes et d'artisans italiens. Ce n'est que dans le dernier quart du XVIIe siècle que des artistes locaux ont émergé, produisant de nouvelles variantes stylistiques d'influence nationale. Insensible à la guerre, la cathédrale de Salzbourg a été construite au début du XVIIe sièclecomme la première église baroque au nord des Alpes. Typique est la juxtaposition additive d'ailes de bâtiment individuelles le long d'un axe et leur imbrication passionnante à l'aide de l'éclairage. Les bâtiments longs et centraux conservent leur caractère particulier. Le bâtiment central s'est progressivement imposé dans les mausolées et les églises de pèlerinage, où il jouissait d'une popularité particulière et était souvent couronné d'un dôme. Les premiers exemples bien connus sont les mausolées de Graz et d'Ehrenhausen, l'église de la Trinité à Kappl à Waldsassen et l'église de Volders près de Hall in Tirol. Dans l'architecture séculaire, un bâtiment central dominant, souvent couronné d'un pignon, assume le mouvement central. Elias Hollconstruit l'un des premiers édifices séculaires baroques, son œuvre la plus importante est l' hôtel de ville d'Augsbourg . Mais ce n'est qu'au palais d' Andreas Schlueter à Berlin et au palais de Fischer von Erlach à Schönbrunn que la nouvelle idée architecturale s'est imposée. L'enchaînement des cours autour des monastères et des complexes de châteaux est un développement indépendant. Il a trouvé une forme spéciale dans la résidence de Munich et, à partir de 1660, le même modèle a été utilisé lors de l'agrandissement de la Hofburg à Vienne. Chez l'architecte religieux, l'église est placée au centre de la cour autant que possible. Le modèle est la résidence du monastère de l' Escorial ià Madrid. L'architecture des maisons de plaisance, comme par ex. B. le palais dans le Grand Jardin de Dresde ou le château de Troja près de Prague. [11] Les formes spéciales du baroque tardif sont le rococo Fredericien sous le roi Frédéric II en Prusse et le style thérésien sous l'impératrice Maria Theresia à Vienne.

Johann Bernhard Fischer von Erlach , qui est venu de Graz et a travaillé à Salzbourg et à Vienne, est l'un des pionniers du baroque d'influence nationale dans l'actuelle Autriche. La Karlskirche de Vienne est considérée comme son œuvre sacrée la plus importante. Johann Lucas von Hildebrandt (1668-1645), sous l'influence du prince Eugène de Savoie , pour qui il bâtit, apporte une touche française à l'architecture de la ville impériale.Le meilleur exemple est le palais du Belvédère supérieur , dont les éléments pavillonnaires couronnés de coupoles y font référence. Johann Dientzenhofer (1665–1726) et ses frères ( cathédrale de Fulda , monastère de Banz ,Château de Pommersfelden et autres), Johann Balthasar Neumann (1687–1753), qui travailla pour cinq évêques de Schönborn, et Dominikus Zimmermann (1685–1766), maître de la Wieskirche . Les plâtriers de l' école de Wessobrunn ont été importants pour la conception, les artistes les plus connus sont Johann Baptist et Dominikus Zimmermann ou le créateur du « Honey Schlecker », le sculpteur et plâtrier Joseph Anton Feuchtmayer . À Munich, la Theatinerkirche St. Kajetan a été la première église construite dans le style baroque italien au nord des Alpes , lorsque des palais de campagne électoraux ont été construits.Nymphenburg et Schleissheim . Les célèbres monastères baroques et églises de pèlerinage sont le monastère de Banz et la basilique des Quatorze Saints , l' église de pèlerinage de Birnau , le monastère d'Ottobeuren et la Wieskirche, en Autriche, entre autres. l' abbaye de Melk , en Suisse, d'anciens monastères ont reçu une touche baroque, comme la collégiale de Saint-Gall , l'abbaye d' Einsiedeln et l'abbaye de Disentis . Le palais de Ludwigsburg a été construit au Wurtemberg et le palais de Karlsruhe à Baden . Les princes-évêques de la famille Schönbornétaient les principaux clients du baroque franconien, dont la résidence de Würzburg , la nouvelle résidence de Bamberg , les palais Pommersfelden , Werneck et Bruchsal et de nombreuses églises.

Dans le nord de l'Allemagne et la Prusse, le baroque de Dresde , médié par Vienne et Prague ( baroque de Bohême ), a atteint un point culminant avec le chenil de Matthäus Daniel Pöppelmann (1662–1736) sous Auguste le Fort . Dès 1713, Zacharias Longuelune introduit le baroque néoclassique français à Dresde et sur cette base, Johann Christoph Knöffel fonde le rococo saxon. Le baroque saxon est caractérisé comme festif-gai, noble et modéré, dans lequel les tendances catholiques-contre-réformées et nordiques-protestantes se confondent. Il continua à rayonner en Pologne et dans le Brandebourg ; à Berlin a créé Andreas Schlueter(1660-1714), qui avait étudié à Varsovie, le Palais de la ville de Berlin et Jean de Bodt , qui travailla plus tard à Dresde, l' Arsenal . Le style rococo fredérien du roi de Prusse Frédéric II ( Sanssouci , Potsdam City Palace , New Palace , Staatsoper Unter den Linden ) a également été influencé par les modèles de Dresde et souvent aussi par les artisans ; les modèles bohémiens-autrichiens ont également afflué via la Silésie. Dans la région de Thuringe, en particulier à Weimar, Gottfried Heinrich Krohne (1703-1756) était connu dans le baroque et le baroque tardif avec des bâtiments tels que le palais de la ville d'Eisenachpremier. Dans le nord de l'Allemagne, un jardin baroque idéal-typique a été créé avec le Grand Jardin de Herrenhausen à Hanovre , et avec l' église principale de Saint-Michel à Hambourg, la plus importante église baroque protestante - à côté de la Frauenkirche à Dresde . Un architecte du baroque de Leipzig était Friedrich Seltendorff (1700-1778).

En France, le baroque s'est développé sous une forme plus modérée et rationnelle, correspondant au courant philosophique de l'époque, qu'en Italie. Le style architectural s'appelait le classicisme , qui devait plus tard prévaloir également dans d'autres pays européens. En Angleterre, les gens adhéraient généralement à une forme plus stricte, qui renvoyait à l'architecture de Palladio et de ses plus importants représentants Inigo Jones et Christopher Wrenont été appelés. La période de l'histoire de l'art a atteint son apogée dans les pays catholiques romains, ce que l'on peut voir dans le grand nombre de bâtiments d'église nouvellement érigés, tandis que dans les régions protestantes, une forme plus stricte et plus simple a été respectée et les églises gothiques ont été préférées.

développement stylistique

À partir de l'Italie, l'art baroque s'est répandu dans toute l'Europe et a été transporté dans les colonies du Nouveau Monde . Étudier en Italie était la norme pour presque tous les grands maîtres d'œuvre de cette époque. Les architectes baroques ont souvent voyagé à travers l'Europe, apportant avec eux leurs idées et leurs suggestions. Ses commandes ont emmené Filippo Juvarra de Milan à Madrid et Andreas Schlueter a voyagé en Italie et a ensuite travaillé en Prusse et en Russie .

Contrairement à la Renaissance, qui a été interprétée en Europe du Nord avec des dispositifs stylistiques parfois complètement différents de ceux de l'Italie (cf., par exemple , Renaissance du Nord ), un style s'est maintenant développé qui était relativement similaire au modèle, mais artistiquement modifié encore et encore. Dans le processus, des directions stylistiques très individuelles du baroque ont été exprimées dans différentes régions d'Europe, ce qui s'est également produit notamment par le mélange d'éléments italiens et français. Ces variantes stylistiques peuvent être grossièrement, mais pas complètement, séparées en un baroque sud-européen catholique, plus influencé par l'Italie, et un baroque nord-européen influencé par les protestants, de formes un peu plus rationnelles.

La France a été le premier pays à adopter les nouvelles tendances, mais le style roman vivant a été mis en œuvre plus strictement ici, dans le sens d'un « classique » spécifiquement français. L'Angleterre a également adopté la nouvelle tendance artistique, mais la transition du palladianisme au baroque et au classicisme qui a suivi s'est déroulée ici en douceur et en grande partie sans les formes de construction ludiques typiques des pays des Habsbourg . L'expression sérieuse du style qui prévaut en France et en Angleterre est donc qualifiée de baroque classique . A titre d'exemples, la façade est du Louvre , la façade jardin du château de Versailles , les Invalidesà Paris ou à la cathédrale Saint-Paul de Londres .

En Espagne et dans ses colonies, au style sobre de la Renaissance, du maniérisme et du desornamentado succède un style baroque particulièrement luxuriant et rampant, connu sous le nom de churriguerisme , qui est utilisé principalement dans les édifices sacrés. Ici, des murs entiers ont été dissous dans une mer déferlante d'ornements, principalement du stuc . L'exemple le plus célèbre est la façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle ou la décoration intérieure de la Chartreuse de Grenade . Aussi typiques du baroque espagnol et surtout portugais sont les autels en bois sculpté et doré - ce type de décoration est appelé en portugaisTalha dourada . Là, il était souvent combiné avec des carreaux (appelés azulejos ). Des bâtiments aux formes baroques espagnoles et portugaises sont également apparus en Amérique latine , par ex. à Ouro Preto au Brésil .

Dans le sud catholique de l'Allemagne et dans les pays gouvernés par les Habsbourg, comme l'Autriche et la Bohême, le baroque a d'abord été adopté presque tel quel par l'Italie, puis s'est développé dans sa propre variante élégante et joyeusement vivante, comme on peut le trouver, par exemple, dans le palais du Belvédère à Vienne ou Melkl'abbayeà Les électeurs saxons de Dresde et des environs ont également développé une activité de construction riche et imaginative ( Zwinger , château de Moritzburg , château de Pillnitz , etc.). Le style baroque européen n'est arrivé en Russie que sous Pierre le Grandet à la fin de la phase rococo, il a pris un penchant pour la grandeur et la pompe monumentales, avec des accents audacieux de couleurs et des ornements somptueux, comme au palais de Peterhof et au palais d'hiver de Pétersbourg .

En Europe du Nord protestante, en revanche, une voie plus sobre a été empruntée, illustrée par le palais de Stockholm .

Les architectes et leurs bâtiments (sélection)

Décoration d'intérieur et art du meuble

types de chambres

En France, la séquence de pièces d'un appartement était formée , généralement avec une ou deux antichambres (antichambre) , la salle d'audience ou (parade) chambre (chambre) , et un (ou plusieurs) cabinet (s). Cela a été adopté généralement dans toute l'Europe. Dans les grands châteaux, et dans une certaine mesure aussi dans les monastères baroques, des salles et des salons représentatifs spéciaux ont été ajoutés, qui étaient souvent alignés selon le principe de l' enfilade . Les salles officielles les plus importantes comprenaient la cage d'escalier et une grande salle de bal ou de banquet , parfois une (ou plusieurs)Galerie(s) . La galerie était essentiellement un couloir de liaison, mais elle présentait souvent des collections d'art entières, principalement des peintures et des sculptures. Sur le modèle de Versailles, des galeries de miroirs ou cabinets de miroirs ont parfois été construits ailleurs . La soi-disant sala terrena est issue de la construction de palais italiens - une salle au rez-de-chaussée, qui se trouve au rez-de-chaussée, généralement au centre du bâtiment côté jardin et est conçue comme une transition vers le jardin. Il était souvent conçu comme une salle de grotte avec une décoration de coquillages et de petites pierres et était principalement destiné à l'été. De plus, de grandes et magnifiques salles de bibliothèque ont été créées, notamment dans les monastères et les abbayes baroques ou de style baroque (voir aussi : bibliothèque du monastèreet Bibliothèque de l'Abbaye ).

décor

Décoration baroque napolitaine typique en marbre polychrome de Fra 'Bonaventura Presti (1664-1667) sur le sol de la Certosa di San Martino , Naples

Les marbres colorés et autres pierres décoratives telles que le porphyre et le granit étaient populaires dans la décoration intérieure des églises et des salles d'apparat officielles, et étaient utilisés pour créer des décorations polychromes sur les murs et les sols, en particulier en Italie et au début de Louis-Quatorze en France. Les décorations en marbre polychrome du baroque napolitain , qui entre autres. a été inventé par Cosimo Fanzago . En partie et surtout à la fin de la période baroque, et encore une fois surtout en Allemagne et en Autriche, le marbre artificiel était également utiliséutilisé, avec lequel on pourrait obtenir des effets de couleur encore plus inhabituels qui ne seraient pas possibles avec du vrai marbre, par ex. B. également des tons bleus ou turquoises. L'église et la bibliothèque de l' abbaye d'Altenbourg ou l'escalier extrêmement coloré du château d'Augustusburg à Brühl , l'une des principales créations de Balthasar Neumann (1740-1746), en sont des exemples.

Dans le domaine profane, c'est-à-dire dans les salons des châteaux ou des palais, on utilisait également des boiseries avec des sculptures (dites boiseries ). Au début du baroque, mais aussi plus tard en Italie, ceux-ci étaient généralement multicolores et peints de divers ornements, mascarons , arabesques ou grotesques . A partir de la fin du XVIIe siècle sous Louis XIV, le style change et les boiseries sont alors majoritairement conservées en blanc et or. Surtout hors de France, l'argent (par exemple Amalienburg ) ou une monture colorée a parfois été choisi à la place de l'or . En Angleterre, le lambris traditionnel en chêne naturel (c'est-à-dire non peint) est restéou le noyer continuent d'être modernes, ce qui signifie que les espaces de vie baroques anglais ont une certaine lourdeur, mais semblent également convenablement chauds pour le climat. Des lambris en bois naturel existaient parfois aussi dans d'autres pays européens, mais ceux-ci étaient souvent en bois précieux comme le palissandre , par ex. B. dans certaines salles « chinoises » ou est-asiatiques des palais de Schönbrunn ou de Hetzendorf près de Vienne.

Les plafonds étaient souvent décorés de peintures ou de fresques , qui étaient initialement encadrées par de riches décorations en stuc ou en sculpture, plus tard les peintures du plafond devenaient plus grandes et couvraient ensuite toute la voûte, les cadres intérieurs étaient alors omis. Dans les salons ainsi que dans les églises, il y avait aussi la peinture d'illusion , par ex. T. habituel avec pseudo-architecture . L'Italie était le leader du plafond et de la peinture décorative (voir peinture ci-dessous). Si un plafond n'a pas été peint, c'est le plus souvent avec du stucdécoré, ce qui était particulièrement courant en dehors de l'Italie et à la maison. Au XVIIe siècle, le décor en stuc est souvent très plastique, surtout en Italie et dans les pays qu'il influence, au baroque tardif il devient plus fin et plus élégant, bien qu'il soit encore souvent exubérant (rococo). Des suppléments optiques étaient souvent utilisés .

Les sols du sud de l'Europe étaient traditionnellement recouverts de carreaux de marbre ou de céramique, le marbre était également utilisé dans les salles d'apparat du nord de l'Europe. Dans les salons des palais français et nord-européens, en revanche, les sols étaient principalement en parquet , qui était parfois posé selon des motifs virtuoses à l'aide de bois de différentes couleurs, en particulier dans les petites armoires (par exemple Spiegelkabinett à Pommersfelden ). Dans un effort pour augmenter le confort de vie, des tapisseries ont été utilisées non seulement sur les murs, mais aussi sur les sols. ont été fabriqués dans des manufactures françaises ( Aubusson , Gobelin ).

Papier peint en cuir peint et doré, château de Rosenholm , Danemark

En plus des tapisseries traditionnelles, de plus en plus de revêtements muraux en tissus comme le velours ou la soie font leur apparition . La soie était particulièrement populaire à l'époque rococo. En termes de couleur également, il y avait une tendance allant des couleurs plus fortes dans le baroque actuel (y compris le rouge) à des tons de plus en plus clairs, parfois pastel , à la fin du baroque et du rococo. Une alternative calorifuge et très précieuse était également les papiers peints en cuir , qui étaient estampés de motifs, colorés et décorés de feuilles d'or ou d'argent - très peu de ce type de décoration a survécu (par exemple au Moritzburg et au Palazzo Chigi à Ariccia ) .

Mobilier baroque

Pour les styles français de meubles baroques, voir:

En raison de la très longue période d'au moins 150 ans, l'art du mobilier baroque est très diversifié, il existe également des différences importantes entre les différents pays, bien qu'il y ait également eu un échange important d'artistes entre les pays. Au début du baroque, les formes se sont lentement détachées de l'époque précédente du maniérisme tardif, qui, dans certains cas, a continué à avoir un effet pendant des décennies, en particulier dans des régions périphériques telles que la péninsule ibérique ou en Europe du Nord.

Les meubles richement décorés avec une marqueterie de bois divers et de matériaux précieux tels que l' écaille de tortue , l'ivoire ou la nacre et avec des garnitures dorées et «ornées» en laiton ou en bronze étaient populaires . Ces matériaux ont pris tout leur sens en contraste avec l' ébène noir , qui n'était normalement utilisé que comme placage et était souvent imité en noircissant artificiellement des bois moins chers. En France, André-Charles Boulle (1642-1732) met au point la technique Boulle particulièrement élégante .
En Italie étaient principalementŒuvres Pietra-dura en marbre précieux et pierres semi-précieuses , que l'on trouve par ex. utilisé pour les dessus de table ou pour décorer les armoires, et qui ont été appréciés dans toute l'Europe. Les centres d'art de la pietra dura étaient Florence et Naples .

Les pieds des chaises, des tables ou des cadres étaient souvent tournés ou richement sculptés, mais les formes de base des meubles sont restées simples et directes tout au long du XVIIe siècle. Ce n'est qu'au baroque tardif et plus encore au rococo que des lignes de base courbes apparaissent partout en plus d'une riche ornementation. Aux chaises simples en bois et en vannerie s'ajoutent des chaises dont le revêtement et le rembourrage sont en cuir , en tapisserie ou en velours , et de plus en plus en soie au XVIIIe siècle . Les armoires , appelées vargueño en Espagne et commodes en Angleterre, étaient populaires
tout au long du XVIIe siècle.. Ils étaient particulièrement richement et chèrement meublés, constituaient souvent une œuvre d'art à part entière et reposaient pour la plupart sur un cadre. Vers la fin du XVIIe siècle, en raison de l'influence de la culture du meuble à la cour de France, la commode devient de plus en plus populaire.

Lit d'apparat aux tapisseries du salon Mercure de Versailles

Les lits avaient souvent un auvent et des rideaux qui pouvaient être tirés. D'une manière générale, le lit et la chambre deviennent un centre du monde noble, notamment en France : dames de salon (dites précieuses ) et aristocrates reçoivent souvent leurs hôtes allongés sur le lit ou dans la magnifique chambre. Dans les palais et les châteaux, le lit se tenait souvent dans une alcôve et était protégé par une balustrade .

Rien qu'en France, quatre époques différentes se distinguent selon les règnes des rois respectifs : Louis-treize , Louis-quatorze , Régence et la phase tardive de Louis-quinze (= rococo, à partir de 1730 environ). En raison de la réputation presque mystique du château de Versailles et de Louis XIV comme Roi Soleil, mais aussi en raison de leur grande élégance et de leur grande qualité, l'art meuble français s'impose dès la fin du XVIIe siècle (voir Louis-quatorze ). Aussi en Allemagne et aux Pays-Bas, il y avait des joueurs exceptionnels, qui appartenaient aux meilleurs de leur profession, mais travaillaient aussi souvent à l'étranger. Surtout à partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, de nombreux artistes émigrèrent à Paris, s'y naturalisèrent et contribuèrent à la grande qualité et à l'élégance réputée de l'art meuble français, certaines des générations suivantes reprirent l'atelier de leur père. Des exemples bien connus sont la famille Oppenordt avec Alexandre-Jean Oppenordt (1639 province de Gueldre – 1715 Paris) et son fils Gilles, la famille Boulle, également d'origine hollandaise, avec André-Charles Boulle (1642-1732) et ses fils, ou les trois Bernard Vanriesamburgh.

Le style italien du mobilier et de la décoration intérieure était beaucoup plus exubérant et courbé que l'art français « classique » et correspondait ainsi de manière particulière à l'idéal baroque. Cependant , en dehors de la France, où même à l'époque rococo tardive un bon gôut plus mesuré était pratiqué, les formes particulièrement imaginatives du baroque italien ont inspiré d'autres pays européens, notamment en Autriche et en Allemagne, et particulièrement dans le sud et en Saxe. Divers produits de luxe sont également venus d'Italie, tels que des tissus de velours et de brocart , qui ont été utilisés pour les meubles et les revêtements muraux, ainsi que des lustres et des miroirs vénitiens.. Cette dernière, cependant, fait face à la concurrence de la France, d'où les lustres et les tapisseries en cristal , désormais modernes , sont également exportés.

Pendant presque toute l'époque, un rôle important a été joué par le plaisir de la faïence et de la porcelaine , exportées de Chine et du Japon , ainsi que fabriquées en Europe, notamment en Hollande ( Delft ), en Espagne et au Portugal , et plus tard également en Allemagne ( Meissen et autres). ). Il était apprécié non seulement sous la forme de vases ou d'autres récipients, mais aussi comme décoration de carreaux ou d' azulejos sur les murs. Il existe un lien étroit avec la mode de la chinoiserie .


  • Mobilier baroque : tables et consoles
  • Table en marqueterie, Pierre Gole, Paris, vers 1660, Chêne et verger avec écaille, ivoire, bronze doré, ébène et autres bois, Metropolitan Museum, New York

    Table en marqueterie, Pierre Gole, Paris, vers 1660, Chêne et verger avec écaille, ivoire, bronze doré, ébène et autres bois, Metropolitan Museum , New York

  • Plateau (du précédent) en marqueterie, Pierre Gole, Paris, vers 1660 (Louis XIV), Chêne et bois fruitier avec écaille de tortue, ivoire, bronze doré, ébène et autres bois, Metropolitan Museum, New York

    Plateau (du précédent) en marqueterie, Pierre Gole, Paris, vers 1660 ( Louis XIV ), chêne et bois fruitier avec écaille de tortue, ivoire, bronze doré, ébène et autres bois, Metropolitan Museum, New York

  • Table console, France, vers 1685-90 (Louis XIV), Art Institute of Chicago

    Table console, France, vers 1685-1690 ( Louis XIV ), Art Institute of Chicago

  • Table, vers 1675–1725, palais de Skokloster

    Table, vers 1675–1725, château de Skokloster

  • Table console (fin XVIIe siècle), Burchardt Precht (* 1651 à Brême-1738 à Stockholm), Hallwyl Museum, Stockholm

    Table console (fin du XVIIe siècle), Burchardt Precht (né en 1651 à Brême et en 1738 à Stockholm), Hallwyl Museum , Stockholm

  • Table console avec sculpture dorée et plateau en marbre, romaine, vers 1710, Musée du meuble de Milan

    Table console avec sculpture dorée et plateau en marbre, romaine, vers 1710, Musée du meuble de Milan

  • Plateau de table Pietra dura, Italie (Florence ?), 1er quart d.  XVIIIe siècle, château royal de Varsovie

    Plateau de table Pietra-dura , Italie (Florence ?), 1er quart d. XVIIIe siècle, château royal de Varsovie

  • Table de jeu (y compris un échiquier intégré), Mayence, 1735, Cleveland Museum of Art

    Table de jeu (y compris un échiquier intégré), Mayence, 1735, Cleveland Museum of Art

  • Mobilier baroque : chaises
  • Fauteuil, britannique, vers 1680, Metropolitan Museum, New York

    Fauteuil, britannique, vers 1680, Metropolitan Museum , New York

  • Fauteuil, britannique, vers 1690, noyer, Metropolitan Museum, New York

    Fauteuil, britannique, vers 1690, noyer, Metropolitan Museum, New York

  • Fauteuil recouvert de velours génois, britannique, vers 1700, bouleau (noirci), Metropolitan Museum, New York

    Fauteuil recouvert de velours génois, britannique, vers 1700, bouleau (noirci), Metropolitan Museum, New York

  • Chaise baroque anglaise (tapisserie moderne), Londres, vers 1690-1700, Art Institute of Chicago

    Chaise baroque anglaise (tapisserie moderne), Londres, vers 1690-1700, Art Institute of Chicago

  • Fauteuil, Bergame, vers 1700-25, Musée du meuble de Milan

    Fauteuil, Bergame , vers 1700-1725, Musée du meuble de Milan

  • Fauteuil, romain, vers 1700-25, noyer, doré et velours

    Fauteuil, romain , vers 1700–1725, noyer, doré et velours

  • Fauteuil avec tapisserie de Beauvais d'après Jean Bérain, 1715-1720 (style Régence), Metropolitan Museum, New York

    Fauteuil avec tapisserie de Beauvais d'après Jean Bérain , 1715–20 (style Régence ), Metropolitan Museum, New York

  • Canapé et Fauteuils "à la Reine" de l'Hôtel de Pierre Crozat, Rue de Richelieu, 1710–20 (Style Régence), Département des objets d'arts, Louvre, Paris

    Canapé et Fauteuils "à la Reine" de l'Hôtel de Pierre Crozat , rue de Richelieu, 1710–20 (Style Régence), Département des objets d'arts, Louvre , Paris

  • Chaise Rococo en laque rouge, Giles Grendey, vers 1735, Art Institute of Chicago

    Chaise Rococo en laque rouge, Giles Grendey, vers 1735, Art Institute of Chicago

  • Fauteuil en tapisserie, britannique et français (prob. Beauvais), vers 1755-1765, Metropolitan Museum, New York

    Fauteuil en tapisserie , britannique et français (prob. Beauvais ), vers 1755-1765, Metropolitan Museum, New York

  • Chaises "à la Reine", vers 1760 (style Louis XV), Louvre, Paris

    Chaises "à la Reine", vers 1760 ( style Louis XV ), Louvre , Paris

  • Mobilier baroque : Secrétaires
  • Secrétaire, attribué à Pierre Gole (1620-?), vers 1660 (?)

    Secrétaire , attribué à Pierre Gole (1620-?), vers 1660 (?)

  • Bureau, vers 1720, Heinrich Ludwig Rohde ou Ferdinand Plitzner (attribué), Marqueterie avec érable, amarante, acajou, noyer sur épicéa et chêne, Art Institute of Chicago

    Bureau, vers 1720, Heinrich Ludwig Rohde ou Ferdinand Plitzner (attribué), Marqueterie avec érable, amarante, acajou, noyer sur épicéa et chêne, Art Institute of Chicago

  • Secrétaire en Technique Boulle, Gilles Joubert, vers 1755, Speed ​​Art Museum, Kentucky

    Secrétaire en Technique Boulle, Gilles Joubert, vers 1755, Speed ​​Art Museum , Kentucky

horticulture

Depuis la Renaissance, le jardin princier est un lieu de récréation et de divertissement ainsi que de représentation. L'art des jardins était pris entre géométrie et planification d'une part et gaieté courtoise d'autre part. La conception esthétique et la mise en forme de la nature environnante étaient une partie directe et inséparable de la construction du château et formaient une unité avec le bâtiment, menant de manière sophistiquée à la nature intacte réelle.

André Le Nôtre (1613-1700) est considéré comme le fondateur du style des jardins à la française – et donc du jardin baroque . Le parc de Versailles, avec ses plans d'eau , ses parterres fleuris et ses bosquets , s'est formé à partir d'un terrain marécageux qui semblait à l'origine tout à fait inadapté . D'énormes masses de terre ont dû être excavées et déplacées afin de créer des terrasses , et de grandes quantités d'eau ont dû être amenées pour les puits. Le Nôtre a également utilisé les nouvelles connaissances scientifiques de l'optique et de la perspective d'une manière qui n'avait jamais été vue auparavant.pour la conception de jardin. L'omniprésence de la mythologie antique faisait également partie de l'atmosphère du parc. Tout cela a également démontré le pouvoir du Roi Soleil sur la nature, et le parc était alors considéré comme une merveille d'ingénierie et de beauté. En tant que successeurs des jardins de Vaux-le-Vicomte , Versailles et Marly , de nombreux jardins correspondants ont été créés en Europe, par ex. B. le parc du château de Nymphenburg , le parc du château d' Augustusburg près de Brühl , le jardin baroque Delitzsch ou le grand jardin de Hanovre . L'un des élèves les plus importants de Le Nôtre était Dominique Girard .

sculpture

À l'époque baroque, la sculpture et la sculpture sont des éléments essentiels d'un bâtiment ou d'un parc - en tant que prolongement de l'architecture par d'autres moyens ou, dans la mesure où ce sont des figures autonomes, en les incorporant dans l'espace par le langage des signes et les tendances du mouvement. La richesse du mouvement et le jeu pré-calculé de la lumière et de l'ombre donnent aux œuvres picturales leur étonnante vivacité et expressivité. En Italie , c'est encore le Bernin qui porte la sculpture baroque à son plus haut développement. Et aussi Alessandro Algardi (1598-1654) et Ercole Ferrata (1610-1686). Les principaux maîtres français François Girardon (1628-1715), Antoine Coysevox(1640-1720), Jean-Baptiste Tuby (1635-1700) et les frères Gaspard (ca. 1624-1681) et Balthazar Marsy (1628-1674) sont principalement dus à tout un ensemble de sculptures d'élégance noble classique dans le palais et parc connu de Versailles , mais travaillé aussi dans d'autres lieux et pour des églises. Des contributions importantes en Allemagne ont été faites par Georg Petel (1601-1634), Balthasar Permoser (1651-1732), Andreas Schlueter (1659-1714), Egid Quirin Asam (1692-1750), Ignaz Günther (1725-1775) et en Autriche Georg Raphaël Tonnerre (1693–1741). En Bohême Ferdinand Maximilian Brokoff(1688-1731) et Matthias Bernhard Braun (1684-1738). En Espagne Gregorio Fernández (1576–1636), Juan Martínez Montañés (1568–1649) et Pedro de Mena y Medrano (1628–1688). Et Aleijadinho (1738-1814) au Brésil.

La peinture

Andrea Pozzo : Gloire de saint Ignace , fresque au plafond de Sant'Ignazio , Rome, 1685-1694

Sous forme de peintures murales et au plafond, la peinture a été intégrée à l'architecture comme une œuvre d'art totale. En plus des peintures murales et de plafond, la peinture sur panneaux a continué à être pratiquée.

Des effets de profondeur extraordinaires ont été obtenus en raccourcissant les perspectives et de cette façon les salles ont été agrandies de manière illusoire. Un style de figures riches en mouvement, des couleurs très contrastées et l'accent mis sur la lumière et l' ombre sont caractéristiques de la peinture baroque. Le style de peinture se retrouve également dans les décors de théâtre. Les thèmes principaux étaient la représentation du divin et du profane (profane), les images historiques et les mythes de l'antiquité.

Dans la peinture baroque, l'inspiration est venue d'Italie. Les frères Agostino (1557-1602) et Annibale Carracci (1560-1609), Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) et Guido Reni (1575-1642) ont jeté les bases de la peinture baroque. Les Italiens étaient également des chefs de file dans l'art de la fresque et de la peinture au plafond, où entre autres. Giovanni Lanfranco (1582-1647), Pietro da Cortona (1596-1669), Luca Giordano (1634-1705), Andrea Pozzo (1642-1709), Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754) et Giovanni Battista Tiepolo , qui a également travaillé dans Allemagne(1696-1770) appartiennent aux principaux maîtres.

Plusieurs peintres français importants travaillèrent en Italie au début du baroque, comme Nicolas Poussin (1594-1665) et Claude Lorrain (1600-1682), pour Louis XIV toute une série d'artistes autour de Charles Le Brun travaillèrent ensuite à Versailles. L' Allemagne n'était pas vraiment un pays de peintres, mais il y avait encore quelques artistes importants : Adam Elsheimer (1578-1610) dans la transition du maniérisme au baroque, et à la fin de la période baroque Cosmas Damian Asam (1686-1739), Johannes Zick (1702-1762) et son fils Januarius (1730-1797), Joseph Wannenmacher (1722-1780) et au Tyrol Stephan Kessler (1622-1700).

La peinture espagnole connut un âge d'or ( siglo de oro ) au XVIIe siècle avec Jusepe de Ribera (1591-1652), qui vécut en fait à Naples et y influença également la peinture, et avec Diego Velázquez (1599-1660) et Bartolomé Esteban Murillo ( 1618-1682) comme les représentants les plus importants ; en outre, de nombreux autres artistes ont également créé des œuvres importantes.

Il en va de même pour la peinture hollandaise baroque ancienne, dont les représentants les plus importants dans la région flamande catholique étaient Peter Paul Rubens (1577-1640) et Anthonis Van Dyck (1599-1641), et dans la Hollande protestante Rembrandt (1606-1669) et Vermeer ( 1632-1675). Au Siècle d'or néerlandais vers 1650, quelque 700 peintres produisaient environ 70 000 tableaux par an et, contrairement à l'Italie et à l'Espagne, ils s'adressaient à un public de plus en plus bourgeois et, dans une large mesure, à des sujets très différents, comme vies , paysages et peinture de genre .

musique

Judith Leyster : Le Concerto , 1631-1633, National Museum of Women in the Arts , Washington
Scénographie de Ludovico Burnacini d'après l'opéra Il Pomo D'Oro de Cesti , Vienne 1668, Metropolitan Museum , New York

classification

En termes de temps, la musique baroque est généralement classée dans les époques artistiques générales du baroque. Pour l'époque musicale, la période de création de Monteverdi au début du 17ème siècle a été considérée comme le début et la mort de Jean-Sébastien Bach en 1750 comme la fin. La musique baroque a succédé à la renaissance et a été remplacée par le classiqueremplacé. Le premier baroque était fortement influencé par les influences italiennes, tandis que le haut baroque s'accompagnait de musique française. Dans ces phases, des différences régionales majeures dans l'ordre chronologique de développement peuvent être identifiées. En France, l'enthousiasme pour la danse à la cour de Louis XIV dominait la musique, en Italie l'amour du chant et de l'opéra et la musique virtuose du violon, tandis que l'Allemagne était particulièrement marquée par le travail de quelques organistes et musiciens d'église importants. Les différents styles des pays convergent ensuite progressivement dans le baroque tardif.

Caractéristiques

La musique baroque porte les mêmes traits qui caractérisent tous les domaines de la vie de l'époque. Avec les tonalités modernes majeures et mineures , dérivées des nombreuses tonalités d'église, elle a créé l'opportunité d'exprimer des contrastes et des tensions. Le but du développement musical n'était plus la coexistence pacifique, mais le conflit du mouvement passionné et, par conséquent, le gain d'une unité supérieure. Ceci explique l'évolution vers le style monodique, chant individuel accompagné instrumentalement par opposition à la polyphonie chorale .

Dans le même temps, une toute nouvelle façon d'entendre a émergé. Seules la voix supérieure ( aigus ) et inférieure ( basse ) étaient notées, tandis que toute la gamme des voix moyennes était laissée à l'improvisation, c'est-à-dire à jouer autour de la mélodie. Ce type de fabrication de musique est appelé jeu de basse , c'est pourquoi la musique baroque est souvent aussi appelée celle de l'âge de la basse. Les instruments utilisés pour cela étaient le clavecin , le luth ou le théorbe , mais aussi le basson et le violoncelle . Un autre instrument de musique important à l'époque baroque est l' orgueet versions baroques des instruments à cordes et à vent encore connus aujourd'hui. Celles-ci sonnaient plus silencieuses et plus douces que les formes d'aujourd'hui et correspondaient donc à l'idéal dominant de sonner aussi proche que possible de la voix humaine.

Les formes typiques de la musique baroque sont l' opéra , la cantate , l' oratorio , la fugue , la suite , la sonate . Cela fait partie de l'essence de la musique baroque de combiner des parties individuelles en un tout plus vaste. Les danses sont réunies en suites ( suite française , « séquence »), les chants et les chœurs en cantates ( cantate italienne , « morceau chantant »). L'interaction des arts s'est réalisée le plus magnifiquement dans l'opéra avec son unité de parole, de musique, d'action et de scénographie.

En théorie musicale, l'âge est u. a. caractérisé par la tentative de développer une théorie des affects par analogie avec la rhétorique ; la question de savoir si cette pratique musicale a été mise en œuvre est bien sûr controversée.

Compositeurs baroques importants

Comme tous les autres arts, la musique baroque a reçu des impulsions décisives de l'Italie, où l'invention de l' opéra et du chant ornemental , ainsi que le développement de la musique instrumentale virtuose et soliste, ont eu des conséquences profondes et se sont progressivement étendues à (presque) toute l'Europe. Les premiers compositeurs d'opéra baroque les plus influents et les plus importants étaient Claudio Monteverdi (1567–1643), qui a également créé des œuvres inégalées en tant que compositeur d'église, et le Vénitien Cavalli (1602–1676). Le romain Giacomo Carissimi (1605-1674) a transféré les caractéristiques de l'opéra à la forme sacrée de l' oratorio . De là, le développement passe par des compositeurs commeAlessandro Stradella (1643–1682), Alessandro Scarlatti (1660–1725) et Giovanni Bononcini (1670–1747) aux compositeurs de l' école napolitaine de la fin de l'époque baroque, à laquelle appartenait également feu Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736) . En musique instrumentale, les virtuoses du clavier Girolamo Frescobaldi (1583-1643) et Domenico Scarlatti (1685-1757), ainsi que les concertos et sonates instrumentaux de virtuoses du violon comme Arcangelo Corelli (1653-1713) et Antonio Vivaldi (1678-1741) exercèrent une influence particulièrement forte , également sur des compositeurs allemands tels que Haendel et Bach.

En Allemagne, la première période baroque commence avec Michael Praetorius (1571-1621), Johann Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) et Heinrich Schütz (1585-1672). Grâce à eux et au Néerlandais Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), à l'Italien Frescobaldi susmentionné et au Nuremberger Johann Pachelbel (1653-1706) , l'art de l' orgue reçut une formidable impulsion. Le plus grand maître d'orgue avant Johann Sebastian Bach était son professeur, Dietrich Buxtehude (1637–1707) , qui travaillait à Lübeck .

Le plus grand génie musical anglais de l'époque baroque, dans tous les genres musicaux, fut Henry Purcell (1659-1695).
La musique en France, peut-être plus que d'autres genres artistiques, a connu un développement propre, tant dans le domaine de l'opéra, de Jean-Baptiste Lully (1632-1687) à Jean-Philippe Rameau (1683-1764), que dans celui du sacré. musique avec Marc-Antoine Charpentier (1644-1704) et André Campra (1660-1740) comme principaux représentants. Dans le domaine de la musique instrumentale, les soi-disant « clavecinistes » se distinguent, avec François Couperin (1668-1733) comme le plus grand et le plus original représentant, ainsi que la musique de viole .par Marin Marais (1656-1728) et Antoine Forqueray (1672-1745), et enfin, à la fin de la période baroque, des maîtres d'influence italienne comme Rameau, Boismortier (1689-1755) et le violoniste Jean-Marie Leclair (1698- 1764).

De l'avis général, la musique baroque a trouvé son couronnement avec Johann Sebastian Bach (1685–1750) et George Frideric Handel (1685–1759). Tous les efforts musicaux de l'époque convergent dans leurs personnalités et acquièrent une expression très personnelle. Des maîtres tels que Georg Philipp Telemann (1681–1767) à Hambourg et Johann Adolph Hasse (1699–1783) à Dresde étaient associés à Bach et Haendel. Certains des fils de Bach et bien d'autres n'appartiennent plus directement au baroque, mais forment la transition du style dit galant et sensible aux classiques de Haydn etde Mozart .

théâtre

La Troupe de Molière , 1670

Le théâtre se développe à l'époque baroque et devient une expérience multimédia, à commencer par l'espace architectural contemporain. À cette époque, de nombreux dispositifs théâtraux que nous voyons encore aujourd'hui dans le Broadway contemporainou voir des jeux commerciaux inventés et développés. La scène se transforme d'un jardin romantique à l'intérieur d'un palais en quelques secondes. L'espace scénique visible est contraint par un cadre qui permet au public de ne voir qu'une action spécifique et de s'immerger complètement dans l'illusion. Soutenant cet effet d'illusion, le cadre dissimule également en grande partie la machinerie et la technologie. Cette technologie affecte le contenu des pièces racontées ou jouées. Par exemple, pour la résolution des conflits pratiquée dans de nombreuses pièces à travers le Deus ex Machina. Les dieux ont pu - littéralement - descendre du ciel et sauver le héros de sa situation dangereuse, voire absurde. L'idée du monde comme scène de théâtre Theatrum munditrouve son origine dans le baroque.

La forme de théâtre originaire d'Italie est appelée commedia all'improvviso , commedia a soggetto (théâtre dans lequel le texte est improvisé selon le thème, c'est-à-dire une scénographie ou «ébauche»), ou commedia di zanni . La commedia dell'arte désigne d'abord un théâtre avec des acteurs professionnels puis dans un sens plus large une forme de drame dont le répertoire (qui comprend non seulement la comédie improvisée mais aussi la nouvelle , la comédie , la pastorale , la tragi -comédie , le classique et tragédie littéraireet couvre l'opéra) repose sur un grand nombre de brouillons, interprétés par des personnages fixes, masqués pour la plupart. La commedia s'est déroulée du milieu du XVIe siècle à la fin du XVIIIe siècle. Les premiers groupes d'acteurs professionnels apparaissent en Italie à partir de 1545. Jusque-là, des représentations théâtrales étaient organisées dans le cadre de célébrations courtoises ou religieuses, avec des interprètes au hasard appartenant au personnel de la cour ou au clergé.

fête culturelle

Festivités allégoriques pour la réception de la reine Christine de Suède au Palazzo Barberini à Rome, le 28 février 1656
Décoration festive de Ludovico Burnacini pour un opéra nocturne en plein air et aux flambeaux à la cour impériale de Vienne en 1699 (L'Euleo festeggiante nel ritorno d'Alessandro dall'India) . Les musiciens de deux orchestres sont assis à droite et à gauche

Les grandes fêtes de l'époque baroque n'étaient pas seulement de plaisir, mais surtout de représentation . [12] Cependant, la culture du festival baroque n'est pas née de nulle part, mais a plutôt ses racines dans la Renaissance italienne , en particulier dans les processions du festival connues sous le nom de trionfi . [13] Avec des démonstrations de splendeur spectaculaires et soigneusement mises en scène (comme pour les bâtiments du palais), les princes ont tenté de projeter une image glamour vers le monde extérieur et d'accroître leur réputation - souvent avec succès. Participer tout simplement aux danses baroques élégantes et précises dansées sur la pointe des piedssur un « simple » terrain de bal nécessitait un entraînement plus long avec un maître de danse afin d'atteindre l'élégance et la puissance requises. Il en va de même pour d'autres productions, dans lesquelles la moitié de la cour prenait part à des robes allégoriques ou mythologiques , et où le chant et la lecture du texte jouaient également un rôle, comme cela était nécessaire, par exemple, pour les ballets de cour français ou les masques anglais. .

Des occasions de festivités plus importantes s'offraient - en dehors d'événements aussi extraordinaires que l'accession au trône - des mariages princiers, souvent célébrés pendant des jours; Les naissances d'enfants princiers (surtout les héritiers du trône ) ou la fin (de préférence réussie) d'une guerre. Non seulement des bals de cour et des dîners de gala avaient alors lieu, mais aussi des représentations particulièrement magnifiques d' opéras composés spécialement pour l'occasion et de comédies ou de pièces de théâtre ; il y avait aussi des feux d' artifice publics et des salves d'armes à feu . Il y avait aussi des ballets de chevaux à Viennetrès populaire (voir ci-dessous), dans les régions fraîches comme la Russie , promenades en traîneau festives . Surtout dans les occasions mentionnées, les gens étaient principalement impliqués, par ex. B. lorsque le vin coulait des fontaines publiques au lieu de l'eau ou qu'il y avait autrement de la nourriture ou des boissons gratuites. Dans le cas des mariages princiers, la mariée, qui venait généralement de l'étranger, était souvent honorée au cours de son voyage par des processions festives et des réceptions à des endroits le long du chemin, par ex. B. 1613 Elisabeth Stuart à l'occasion de son mariage avec l'électeur Frédéric V du Palatinat (le futur "roi d'hiver"). [14] Exactement comme les représentations théâtrales, les architectes et les peintres ont souvent ajouté de grandes décorations festives efficacescréés, qui étaient très artistiques, mais essentiellement uniquement des décors de théâtre . [15] Habituellement, une grande partie des festivités était ornée mythologiquement ou allégoriquement, et tout se déroulait selon un cérémonial précis . [16] Bien sûr, il y avait aussi des fêtes que la noblesse célébrait entre elles. La mort de princes ou de personnalités importantes était également célébrée de manière particulièrement honorable, à cette fin de grandes décorations festives étaient parfois également créées pour l'église où le défunt reposait en apparat. Des séries de gravures sur cuivre ont ensuite été réalisées sur certaines fêtes particulièrement importantes afin d'augmenter également l'effet représentatif à l'étranger. [17]

Louis XIV comme le dieu solaire Apollon dans le Ballet de la nuit , 1653

Certaines fêtes légendaires ont eu lieu à la cour de Louis XIV , qui était surnommé "le Roi Soleil" car il dansait déjà dans un ballet de cour en costume du dieu solaire Apollon à l'âge de 14 ans et plus tard se produisait souvent en tant que danseur . Le ministre des Finances, Nicolas Fouquet , donna une célèbre fête qui se termina mal pour le roi le 17 août 1661 au château de Vaux-le-Vicomte ; le roi trouvait cette démonstration de luxe un peu trop belle, et comme Fouquet échappait aux impôts et menaçait autrement de gêner le roi, [18]il a été arrêté peu de temps après. La réputation mythique de Louis comme le Roi Soleil et de son château de conte de fées de Versailles a été renforcée quelques années plus tard par un certain nombre de grands festivals : le plus célèbre étant les "Joies de l'île enchantée" ( Les Plaisirs de l 'île enchantée ) en mai 1664. [19] Il y avait entre autres. une joute de manège et un ballet de cour, l'accompagnement musical était aux mains de Jean-Baptiste Lully , et plusieurs pièces de Molière étaient jouées : La Princesse d'Elide , Les Inconvénients et Tartuffe . [20] Un journaliste contemporain rapporte comment, à la fin de la première journée du festival, Lully est apparue "à la tête d'une nombreuse troupe de spectateurs... faisant des petits pas au rythme de leurs instruments" [21] :

"... et en même temps on voyait émerger de l'avenue de droite les quatre saisons : le printemps sur un destrier espagnol, l'été sur un éléphant, l'automne sur un chameau et l'hiver sur un ours. Les saisons étaient accompagnées de douze jardiniers, douze moissonneurs, douze vignerons et douze vieillards. Ils représentaient les différentes saisons avec des fleurs, des épis, des fruits et des glaces et portaient sur la tête des bols de collations... Les Contrôleurs de la Maison du Roi... (en costumes allégoriques ; ndlr) avaient... posé une grande table semi-circulaire ornée de guirlandes et d'une myriade de fleurs..."

Carpentier de Marigny [21]

Le Grand divertissement de Versailles en juillet 1668 à l'occasion de la paix d'Aix- la-Chapelle est tout aussi magique . La musique était à nouveau de Lully, qui a également contribué à un ballet "Triomphe de Bacchus"; [22] cette fois George Dandin de Molière a été créé; [22] à la fin grand feu d'artifice dans le parc de Versailles, au cours duquel « le palais est apparu véritablement comme le palais du soleil ». [23]

Johannes Thomas : L'impératrice Margarita Teresa en robe allégorique , 1667

Tant de somptueuses parades déclenchèrent une sorte de concours et la cour impériale de Vienne répondit de 1666 à 1668 par les noces de Léopold Ier et de Marguerite Thérèse d'Espagne , célèbres à ce jour, et notamment par un gigantesque ballet équestre "La contesa dell'aria e dell'aqua " [24] dans la cour du château de Vienne le 24 janvier 1667, [25] auquel participèrent 1700 personnes et 600 chevaux, tous en costumes splendides (et parfois très lourds !) avec coiffes à plumes; Léopold lui-même montait également sur un cheval cabré sur la musique de Johann Heinrich Schmelzer , qui était jouée par 100 instrumentistes à plusieurs endroits de la cour. [26]La représentation de l'opéra du festival Il Pomo d'Oro d' Antonio Cesti avec des décorations de Ludovico Burnacini , documentées par des gravures sur cuivre, est particulièrement célèbre - mais comme un théâtre séparé a dû être construit sur la Burgplatz pour les productions spectaculaires, la représentation a été retardée. jusqu'au 13 et 14 juillet 1668 (anniversaire de Marguerite). [27] On dit qu'il a duré 9 heures, a été répété plusieurs fois et "le peuple" aurait regardé le spectacle "en nombre incroyable". [28]

Outre les grandes occasions, le Carnaval de Venise connut également son apogée aux XVIIe et XVIIIe siècles et attira de nombreux touristes fortunés, dont ceux de l'aristocratie. Un ridotto et une représentation d'opéra se succèdent pendant des mois. En raison du masquage généralement coutumier , un certain degré d' incognito était possible et c'était moins cérémoniel que lors des fêtes officielles de la cour - mais les coutumes étaient si relâchées que le risque d'infection par les maladies vénériennes était accru (exemple : Georg Wilhelm von Braunschweig-Lüneburg , son frère Ernst Augusta laissé sa fiancée Sophie von Hannover dans un fameux "échange de mariée" parce qu'il avait contracté (vraisemblablement la syphilis ) à Venise) [29] . En dehors de la saison du carnaval, Venise était également connue pour d'autres fêtes régulièrement célébrées, comme le mariage du Doge avec la mer avec le Bucintoro le jour de l' Ascension ou la fête de la Madonna della Salute . Les réceptions des ambassadeurs étrangers à Venise étaient souvent somptueusement célébrées avec des régates officielles et d'autres célébrations, attiraient de nombreux spectateurs et n'étaient pas des moindres (tout comme le Bucintoro).Vedute peinte par des peintres tels que Luca Carlevarijs et Canaletto . Ses tableaux témoignent encore de la splendeur éblouissante de Venise à l'époque baroque.

Stollen géant Zeithainer avec four

Auguste le Fort de Saxe était également célèbre pour sa cour glamour et ses fêtes magnifiques : l'un des événements les plus célèbres est le mariage de son fils et héritier du trône avec la fille de l'empereur , célébré en 1719. au Palais Hollandais les "Sept Amusements Planétaires" sous un déguisement mythologique. [30] Zeithainer Lustlager d' aoûten 1730 était l'une des fêtes baroques les plus célèbres de son temps, le "spectacle du siècle", qui est encore l'incarnation du style de vie baroque en raison de sa splendeur et de son opulence. En même temps, c'était un chef-d'œuvre d'organisation qui a fait sensation dans toute l'Europe. Par exemple, le constructeur du Dresden Zwinger , Matthäus Daniel Pöppelmann , a construit le four pour le tunnel géant de sept mètres de long. L'architecte Joachim Daniel von Jauch , qui était entre autres responsable de l'organisation des innombrables fêtes et illuminations de la cour polonaise, a organisé le feu d'artifice de cinq heures sur l'Elbe, au cours duquel 18 000 troncs d'arbres ont été consommés.

Certaines fêtes baroques vivent non seulement dans les gravures et les images, mais aussi dans la musique composée pour elles. Parmi les plus célèbres figurent certains événements en Angleterre pour lesquels George Frideric Handel a contribué à la musique festive. Il s'agit d'une (ou plusieurs) fête(s) royale(s) sur la Tamise , au cours de laquelle retentit sa fameuse musique aquatique (probablement 1717, 1719 et 1736), [31] et les célébrations qui se déroulent en avril 1749 sur la Tamise. occasion de la paix d'Aix- la-Chapelle , pour le Haendel sa musique de feux d'artificea écrit. Même la répétition générale à Vauxhall Gardens a attiré 12 000 spectateurs qui ont bloqué la circulation londonienne pendant des heures, mais lors du véritable feu d'artifice à Green Park, un pavillon de décoration en bois a brûlé et le décorateur Servadoni, dans une crise de nerfs, a attaqué le gardien "avec un épée nue". [32]

Littérature baroque

La désignation de style historique de l'art baroque a été transférée à la littérature du XVIIe siècle, c'est-à-dire la période entre la Renaissance et les Lumières. En Allemagne, c'était l'époque de la guerre de Trente Ans avec ses tensions entre la soif de vivre et la peur de la mort, l'époque du début de l'absolutisme avec son conflit entre la conscience bourgeoise du statut et la culture courtoise. L'attitude divisée envers la vie se reflétait dans la littérature baroque allemande: le contraste entre le style et le sujet conduisait souvent à des présentations ampoulées et extravagantes et donnait l'impression d'être inharmonieux. En raison de la menace qui pèse sur son existence mentale et physique, le poète cherche sa propre voie, mais partout une forte dépendance aux courants de la littérature contemporaine dans d'autres pays peut être observée.

La littérature baroque a atteint sa plus haute perfection dans les œuvres des Espagnols Miguel de Cervantes (1547-1616), Lope de Vega (1562-1635) et Pedro Calderón de la Barca (1600-1681), tandis qu'en France les formes classiques strictes d'un Pierre Corneille (1606-1684), Jean Racine (1639-1699) et Molière (1622-1673) règnent. Les contributions les plus influentes à la littérature baroque européenne sont venues du gongorisme espagnol , du marinisme italien et aussi de l' euphuisme anglais , tous des styles grandiloquents qui tirent leur nom du poète espagnol Luis de Góngora.(1561-1627), l'Italien Giambattista Marino (1569-1625) et le roman "Euphues" de l'Anglais John Lyly (1554-1606).

Les romans courtois en plusieurs volumes du duc Anton Ulrich von Braunschweig-Wolfenbüttel (1633–1714) et de Daniel Casper von Lohenstein (1635–1683) ont été largement diffusés en Allemagne en tant que développement ultérieur des romans espagnols d'Amadis (titre de héros de chevalerie et romans d'aventures) . Cependant, seul « L'aventureux Simplicissimus » de Hans Jakob Christoffel von Grimmelshausen atteint une hauteur intemporelle.

Dans la poésie , les traits contrastés de l'attitude à l'égard de la vie, qui oscille entre la religiosité mystique et la joie de vivre, sont les plus évidents. L'érudition côtoie un ton intime d'expérience, une galanterie gracieuse côtoie une fantaisie luxuriante dans le cas du leader et souvent imité Martin Opitz (1597-1639), Andreas Gryphius (1616-1664), Lohenstein, Christian Hoffmann von Hoffmannswaldau (1616-1679) , Paul Fleming (1609-1640), Simon Dach (1605-1659), Friedrich Spee von Langenfeld (1591-1635) et Georg Philipp Harsdörffer (1607-1658). Les dictons rimés de Friedrich von Logau appartiennent également ici(Pseudonyme : Salomon de Golaw ; 1604-1655).

  • Frontispice de la première édition de Simplicissimus, 1668

    Frontispice de la première édition du Simplicissimus , 1668

  • Le soi-disant enfer des vivants est la célèbre Bastille à Paris (1719).  Gauche : frontispice, droite : page de titre

    Le soi-disant enfer des vivants est la célèbre Bastille à Paris (1719). Gauche : frontispice, droite : page de titre

  • Frantz Christoph Khevenhiller […] Annales Ferdinandei ou véritable description de Kayser Ferdinandi […] En douze parties avec de nombreux cuivres, Leipzig 1721

    Frantz Christoph Khevenhiller […] Annales Ferdinandei ou véritable description de Kayser Ferdinandi […] En douze parties avec de nombreux cuivres , Leipzig 1721

Philosophie sociale naturelle et émergente

Les philosophes naturels et les scientifiques de l'ère baroque tels que Francis Bacon et Galileo Galilei ont présenté une alternative à la philosophie naturelle scolastique et ont aidé l' empirisme à réaliser une percée. Le postulat de Galilée d'un monde héliocentrique pourrait être soutenu et réinterprété par les lois de Newton . Les empiristes ont eu leur plus grand succès avec la séparation de la science de la politique : Dès lors, les scientifiques n'ont plus eu à s'orienter vers des considérations ou des interventions politiques qui avaient entravé leur travail au cours des siècles précédents. [33]Une nouvelle image de l'homme et de la nature a été utilisée pour légitimer cette garantie politique : depuis la fin de l'époque baroque, l'homme est compris comme un sujet agissant ( contrat social ), alors que la nature devrait être constituée d'objets passifs et simplement réactifs, comme mécanique postulée. [34] Le dieu autrefois important, le directeur du théâtre du monde, a été enlevé du monde et n'est plus désormais présent qu'en tant que créateur, pour ainsi dire comme celui qui a donné le premier élan au mouvement d'horlogerie de la mécanique céleste, ou dans les disputes comme médiateur entre la nature et l'homme Signification. Cette politique autant que métaphysiqueDans le même temps, le dualisme annonce la fin de la période baroque : les philosophies visant l'harmonie universelle, comme celle de Gottfried Wilhelm Leibniz , sont repoussées au profit de l'empirisme. [35] L'indépendance des sciences et l'autonomisation simultanée du peuple en tant que source originelle de tout pouvoir terrestre ont massivement réduit la prétention au pouvoir des princes absolutistes. L'enlèvement de Dieu dans le lointain et la proclamation de la religion comme affaire privée posent enfin les bases de la sécularisation intellectuelle et matérielle du XIXe siècle. [36]

La période de l'histoire intellectuelle qui a suivi la période baroque est généralement appelée le siècle des Lumières ; Cependant, il convient de noter que le début des Lumières s'enracinait en partie dans la première moitié du XVIIe siècle, c'est-à-dire à la fin de la Renaissance , alors qu'en Italie les Lumières ne sont devenues effectives qu'à la fin de l'époque baroque vers 1760 et en Europe centrale orientale ou en Grèce. encore plus tard.

science et technologie

Les sciences modernes ont été créées en Europe à l'époque baroque ; ils s'organisent en sociétés savantes et en académies . Le développement de la mécanique théorique , de plus en plus mathématisée, et son application aux phénomènes techniques, atmosphériques, biologiques, astronomiques, etc. fait de grands progrès : William Harvey découvre la circulation sanguine , Galileo Galilei tente de déterminer le poids de l'air, Evangelista Torricelli , Blaise Pascal et Otto von Guericke ont étudié les effets de la pression atmosphérique , Christiaan Huygensa développé l' horloge à pendule , Isaac Newton la loi de la gravitation . La mécanique est ainsi devenue le paradigme scientifique et d'explication du monde dominant . Elle a aussi servi à expliquer la structure fine matérielle du monde ( atomisme , monadologie ). Le modèle d' horlogerie a été utilisé pour expliquer les lois du mouvement dans l' univers . [37] mécanisteEn raison du manque d'autres théories disponibles à l'époque dans la recherche naturelle, les modèles explicatifs ont été gravement surutilisés, de sorte que l'ordre hiérarchique et la politique de l'État absolutiste, qui a été conçu selon un plan rationnel, ont également été interprétés à l'aide du modèle de la machine.

Des académies des sciences et techniques sont fondées par décret royal ou sous protection princière et avec le soutien d'autres mécènes, comme la British Royal Society en 1660 ou l' Académie des sciences française en 1666 . Ces académies étaient souvent associées à des collections d'histoire naturelle et technologique.

Dans la technologie manufacturière , la spécialisation médiévale des métiers et des outils s'est poursuivie sous l'influence des connaissances empiriques et théoriques-mécaniques, tandis que les forces motrices (énergie hydraulique et éolienne, énergie animale et humaine) sont restées les mêmes mais ont été rendues plus efficaces, par ex. B. par des progrès dans la construction d' engrenages (en bois) . Les métiers spécialisés étaient exercés dans les grandes manufactures ( tapisserie , porcelaine , calèche, etc.) , les arsenaux et les chantiers navals .combinés sous une gestion centrale, souvent étatique. L'exploitation minière européenne, qui était entrée dans une crise en raison de l'importation de métaux précieux d'Amérique latine, est passée sous le contrôle de l'État dans de nombreux pays en raison de la pénurie menaçante de métal pour la monnaie. [38] L'art du génie hydraulique, [39] utilisé dans les jardins du château, mais aussi sur scène, atteint son apogée dans les stations de pompage de Marly-le-Roi .

art de la construction navale

Maquette de la poupe du Vasa suédois

À l'époque baroque, les formes classiques des navires de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance, avec leurs hautes superstructures modelées sur des tours ou des châteaux, ont été énergiquement repensées et dotées d'ornements en partie dorés, de consoles, de colonnes tournées, d'allégories bibliques ou mythologiques et d'immenses lanternes. , qui montrent l' influence du style jésuite . Les magnifiques galeries de poupe ont été conçues dans un style architectural proche de celui du Vasa (1628). Une « ligne voluptueuse » [40] et une figure de proue allongéeont souligné le caractère luxueux et représentatif des navires de guerre et d'État des puissances gouvernées par l'absolutisme en tant que palais flottants et en même temps une prétention au pouvoir. Par exemple, le galion du trois- ponts anglais Sovereign of the Seas comportait une statue équestre du roi Edgar , dont le cheval avait sept rois sous ses sabots. La fonctionnalité et le caractère guerrier de ces navires, malgré leurs formes profilées, étaient entravés par l'ornementation et un centre de gravité élevé.

Aux époques Rococo et Lumières, la hauteur de la superstructure a été réduite. Les lignes des navires sont devenues plus objectives et fonctionnelles, les superstructures ressemblant à une architecture disparaissant rapidement.

construction de wagons

À l'époque baroque, le Carrosse a d'abord été développé en France , un chef-d'œuvre de l'ingénierie baroque. Carosse vient de carrozza et carro (italien), qui signifie quelque chose comme voiture lourde ou traduit en allemand : Karosse .

Le grand wagon d'État à Saint-Pétersbourg

Dans l'évolution de la construction des carrosses , le carrosse de type Carrosse ou Karosse de la seconde moitié du XVIIe siècle représente une innovation importante.Ce type de carrosse s'est développé à partir du primitif Kobel, dont la boîte simple a été améliorée en la dotant d'un toit solide, de parois latérales et de décorations richement ornées. Afin d'assurer une entrée facile, les portes ont été placées plus bas que la longue flèche, qui était alors à peine reconnaissable. Aucune modification majeure n'a été apportée à la structure du châssis lui-même, en particulier la flèche et la suspension. En raison de la splendeur élaborée, le corps était une voiture d'État avec le statut d'un trône itinérant. Celui-ci était suspendu à quatre ressorts et avait un siège avant et arrière, de sorte que jusqu'à quatre personnes pouvaient y être logées. Seuls des chevaux spéciaux, les cochers , étaient attelés à ce type de wagon.

Un type particulier de voiture était la grande carrosse , la grande carrosserie d'apparat. Il était principalement utilisé par d'importants chefs d'État et servait principalement de couronnement ou de représentation et de carrosse de gala. Aujourd'hui, il n'y a que quatre spécimens de ce type dans le monde. Ces voitures sont la "Burmannia" de Stockholm (vers 1700-1710) dans la Livrustkammer, la Sondershauser " Golden Kutsche " (vers 1707-1715) dans le musée du palais de Sondershausen , la "Coche da Cora" de Lisbonne (vers 1715) au Museu dos coches et un carrosse de 1720 et 1722 exposé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg .

Les carrosseries étaient produites dans de grandes usines avec une extrême division du travail, avec des charrons , des charpentiers, des vernisseurs, des forgerons, des doublures, des doreurs, des selliers et autres. métiers étaient concernés.

Au 18ème siècle, la berline a remplacé la voiture et ainsi en France le terme le carrosse s'est réduit à un mot qui décrit une si magnifique voiture d'État et a également été adopté en allemand.

Mode

Anthonis van Dyck : Portrait de Marie-Louise de Tassis, huile sur toile, vers 1630

Le développement des époques historiques se voit très bien dans la mode vestimentaire et capillaire - ainsi que dans les différents courants du baroque. Dans d'autres domaines de l'histoire culturelle , les changements ont été pour la plupart graduels. Dans la mode, en revanche, il y a toujours eu des changements spontanés et soudains, la plupart du temps provoqués par des personnalités célèbres. La mode baroque est principalement influencée par les grandes cours européennes.

La mode baroque peut être divisée en trois styles principaux :

La mode espagnole de la Renaissance a été suivie vers 1620-1650 par une mode principalement influencée par les Pays-Bas et la Flandre. Elle apparaît comme un contre-mouvement à l'extrême rigidité et à l'artificialité de la mode espagnole : les collerettes sont remplacées par des larges cols en dentelle, les pantalons moulants à morue par de larges culottes, les hauts à col haut qui dérobent les seins par des décolletés , et la jupe, qui n'avait auparavant aucun pli sur le verdugado avait été drapé était maintenant autorisé à tomber librement. Les chapeaux à larges bords et la prédominance du noir et d'autres couleurs sombres et discrètes sont typiques de la mode hollandaise.

Dans les années 1660, un autre changement important se fait sentir. Les pantalons pour hommes sont devenus de plus en plus larges, presque comme des culottes, tandis que les pourpoints sont devenus plus courts et une grande partie de la chemise était visible ( mode Rhinegrave ). Au début, un large manteau de coupe ronde était porté dessus; plus tard , la tunique , la jupe des hommes en forme de veste , a prévalu . Les hommes portaient également des cheveux longs et lâches. Les robes des femmes sont devenues plus simples: un corsage moulant et raidi avec un large décolleté presque sans épaule et des manches trois-quarts était porté avec une jupe longue sans surjupe. Le décolleté est souvent encadré par une large bordure de tapisserie. La coiffure typique pour cela est le hurluberlu avec des boucles empilées de chaque côté du visage.

Dans les années 1680, les hommes portaient le genre de costume qui définirait également tout le XVIIIe siècle. Le Justaucorps ( français : près du corps ) se composait d'un gilet et d'une culotte plus serrée, la longue perruque et le tricorne étaient portés sur la tête, dont le bord était retroussé sur trois côtés.

Une nouvelle forme vestimentaire est devenue à la mode pour les femmes, qui a également eu un effet presque jusqu'à la fin du XVIIIe siècle. Le manteau , une sur-robe aux allures de manteau ouverte sur le devant, se porte avec une jupe assortie et des clous . La jupe de la sur-robe a généralement une traîne et est froncée dans le dos. La silhouette élancée est accentuée par la coiffure associée à une haute crête, le fontange .

La «mode liturgique» de l'Église catholique romaine a également été considérablement influencée à l'époque baroque. Les pièces de chasubles , dalmatiques, pluviales et mitres les plus connues et les plus précieuses datent probablement de cette époque. La chasuble, devenue ce que l'on appelle la « basse vièle » (également appelée chasuble romaine), a connu une influence particulière à partir de l'époque baroque. En raison des tissus de brocart lourds, parfois combinés aux broderies hautes les plus précieuses , la coupe gothique de la chasuble a dû être réduite de plus en plus en raison du manque de souplesse des tissus, jusqu'à ce qu'elle ne recouvre que le dos ou la poitrine et le ventre du prêtre. Les découpes incurvées à l'avant pour une plus grande facilité de mouvement du prêtre à l'autel ont finalement donné son surnom à la chasuble baroque ou à la basse violon.

évaluation historique de l'art

De même que le terme gothique a longtemps désigné l'art brut germanique et celui de maniérisme la mauvaise maniera - présentation exagérée de la maîtrise réussie des difficultés techniques en peinture - le terme baroque a aussi été longtemps utilisé de manière péjorative avant de devenir distincte de la Renaissance en tant que période à terme d'époque qui prévalait.

Italie

Francesco Milizia et Allessandro Pompei ( Vérone 1705-1772), ainsi que les architectes piémontais , qui étaient sous influence française et qui se sont éloignés du "style romain", avaient les violations originales des normes classicistes de la formation des éléments architecturaux, les errori et abusi (fautes et abus) sévèrement condamnés depuis les œuvres bizarres de Michel-Ange. [41] Milizia a écrit de la follie Borrominesche ("la folie Borrominesque"), qu'il a reliée au suicide de Borromini et a décrit comme un avertissement comme contagieux. [42]En littérature (critique), aussi, un fort contre-mouvement classique contre les exagérations baroques du marinisme s'installe bientôt .

France

Dès le début du XVIIIe siècle, les premières critiques de la production artistique baroque se font sentir en France, d'abord dans les Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture , qui évoqué l'esprit des Lumières ( 1719) par l' abbé Dubos . Avant tout, l'art doit plaire et donner du plaisir ; Il n'y a pas de règles uniformes pour cela, le jugement sur l'art dépend plutôt du spectateur.

Les « exagérations » du style architectural italien ont également trouvé peu d'amis en France. Même les conceptions de façade du Bernin pour le Louvre étaient considérées comme trop italiennes à la cour de France. [43] Il est vrai que l'adjectif baroque et le substantif le baroque ont d'abord été définis par Quatremère de Quincy dans le sens d'un raffinement de l'architecture ; en même temps, cependant, le style baroque était considéré comme l'expression d'un abus bizarre, comme une exagération excessive et ridicule de ses éléments formels. Les œuvres de Borromini et aussi de Bernini en sont des exemples. [44]Quincy développe ainsi une étape préliminaire (bien que péjorative) d'un concept de style baroque. L'esthétique de Sainte-Beuve reste également liée au système de valeurs classiciste. [45] Le baroque français était au mieux considéré comme préclassique . Cette perspective ne fut que partiellement dépassée par Jules Michelet , le véritable « découvreur » du baroque français, qui évoqua le rôle important de l'âge d' Henri Quatre dans la formation de l'identité française [46] , même si, en calviniste convaincu, il polémique contre la Contre-Réforme jésuite.

Cependant, l'existence d'un baroque français en France n'a été finalement reconnue que lorsque l'attention des historiens de l'art et des historiens français sur leur propre époque classique s'est étendue à toute l'Europe. Ce n'est que dans les années 1950 que le terme baroque est utilisé en France dans un sens neutre et non plus seulement comme synonyme d'irrégulier, de bizarre ou d'extravagant. [47]

Pas plus tard qu'en 1980, Marc Fumaroli parlait du baroque français comme d'un corps étranger à la culture française et s'éloignait du terme en utilisant le mot allemand « Barockterm » pour désigner son origine. [48]

Gilles Deleuze et Félix Guattari , en tant que représentants du post-structuralisme français , décrivent la relation entre classique et baroque comme une relation d'ordre et de chaos entre laquelle aucune frontière claire ne peut être tracée, c'est-à-dire comme une sorte de coexistence passionnante et non comme une succession. [49]

Allemagne

En matière d'art, l' école classique allemande, dominante depuis Adam Friedrich Oeser et Winckelmann , dévalorise le baroque comme « surchargé ». Malgré sa propre appréciation pour diverses œuvres d'art hellénistiques proches du sens du style baroque - selon le groupe Laocoön - Bernini Winckelmann était considéré comme un "ennemi juré". [50]A cela s'ajoute la nette préférence donnée à l'antiquité grecque sur la tradition romaine en Allemagne depuis Winckelmann, dirigée contre la réception du classicisme français en Allemagne. Les théoriciens, critiques et historiens de l'art, majoritairement protestants, considéraient le baroque comme catholique-« papiste », monarchiste, autoritaire, trop opulent et contre-réformateur.

Il en va de même pour la littérature française de l'époque baroque. Même le premier érudit des Lumières Johann Christoph Gottsched a rejeté le classicisme littéraire français et sa compréhension artistique de la poésie comme construite et non originale. Dès les années 1730, dans une perspective rationaliste, il critique les œuvres de Klopstock et le style baroque grandiloquent , dans lequel la domination française s'exprime toujours, comme un signe de décadence et compare ce style à celui de l'hellénisme . [51] Lessing se retourne encore plus radicalement contre la poétique baroque des règles. Dans la Rodogune de Corneille il a vu le comble de l'inarticité et a esquissé dans la Dramaturgie de Hambourg les conditions d'un nouveau drame bourgeois qui peut se passer de la « pompe et de la majesté » des drames de Corneille. [52] Sa "tragédie bourgeoise" Miss Sara Sampson a inauguré l'adieu au baroque sur la scène allemande et a ouvert la voie à l'idéal de "naturalité".

Pour Johann Georg Hamann , en tant que représentant du culte du génie mystique chrétien de l' époque Sturm und Drang , qui faisait déjà référence au romantisme , il était clair que l'artiste devait travailler sans règles et que la profondeur du sentiment devait être la critère le plus important pour la créativité artistique . Ce faisant, il se retourne aussi bien contre la poétique baroque des règles que contre le rationalisme des Lumières. [53]

Goethe a critiqué l'architecture baroque massive et surchargée, [54] mais a utilisé lui-même des formes lyriques baroques.

Le rejet de tout français, qui a caractérisé le romantisme allemand au XIXe siècle, a également conduit à la formulation distanciée dans le dictionnaire allemand des frères Jacob et Wilhelm Grimm : « Le baroque est censé être français. baroque, bizarre dans notre langue (comme antique sp. 500, idéaliste, théâtral) : le décor baroque de coquillages multicolores. » [55]

Mais il y a aussi des contre-tendances : August Wilhelm Schlegel, malgré sa critique de l'esthétique du temps de Louis XIV , rend hommage à la rhétorique baroque. [56] Le romantisme littéraire allemand était certainement attiré par l'imagerie baroque des machines et de l'horlogerie – la subordination de l'ego à une mécanique insensée ; mais cela était plus évident dans ses œuvres (par exemple avec une tendance à la glosification dans The Invisible Loge de Jean Paul, The Sandman d' ETA Hoffmann , The Elemental Spirit , Kleist 's About the Marionette Theatre u. a.) comme en témoigne la critique artistique et littéraire de l'époque. ETA Hoffmann s'est passionné pour le théâtre baroque espagnol et a traduit les pièces de Calderón .

Dans Cicéron (1855) , Jacob Burckhardt dévalorise moralement le baroque (comme « liberté incomprise », « tromperie », « vantardise », voire comme « morbide »), mais loue la « liberté » artistique que les artistes baroques ont prise. Ce n'est que vers 1875 qu'il parvint à une définition phénoménologique-descriptive plus neutre du baroque. [57]

Une vision plus théorique du phénomène baroque - encore teintée par la vision protestante du siècle de la Contre-Réforme et par son aversion pour le théâtral et l'illusionniste - s'est développée dans les années 1860. Nietzsche a probablement été le premier à voir les innombrables parallèles entre l'architecture, la sculpture, la littérature et la musique, même si cette pensée était dans l'air à l'époque. Il l'a dit aphoristiquement : « Le dithyrambe grec est un style baroque dans la poésie » [58] et a ainsi transféré le concept baroque à la littérature.

Nietzsche ne se préoccupait pas de l'unicité du style baroque, mais d'un retour légal des styles, c'est-à-dire d'un phénomène périodique et intemporel de « dépérissement » d'une culture qui se produit toujours lorsqu'une période classique a épuisé ses moyens d'expression et ne peut plus être dépassé : "(...) depuis l'époque grecque, il y a souvent eu un style baroque, en poésie, en éloquence, en prose, en sculpture ainsi que, comme on le sait, en architecture", qu'il ne faut pas juger de façon désobligeante. [59] La musique baroque est une sorte de contre-Renaissance, expression d'un style, quoique décadent, qui surgit à chaque fois qu'un grand art s'efface, un art fait par des artistes "pour les artistes seulement", pas pour les amateurs. Dans un brouillon qu'il a laissé en 1888, il inscrit la musique de la fin du XIXe siècle dans cette tradition. [60] Il a probablement toujours la musique de Wagner à l'esprit lorsqu'il définit le baroque comme à la fois extatique et décadent . Sa mention de l'humour cruel, de la soif de distorsion laide, dans Don Quichotte de Cervantès va dans le même sens. [61] La distorsion grotesque ou laide est également commune à de nombreuses œuvres de la poésie baroque allemande telles que Grimmelshausen 's"Simplicissimus Teutsch" (et son frontispice, voir illustration ci-dessus) typique. [62]

Ulrich von Wilamowitz-Moellendorff parle peu de temps après (1881) d'une "période baroque" de la culture hellénistique et de l'Empire romain (surtout de la littérature romaine de l'Empire). [63]

Dans le sens d'une séquence de formes précoces, floraison et disparition de l'autonomie artistique, 70 ans plus tard, Arnold Hauser construit également une séquence à partir de l'art délibéré (ecclésiastique) du Moyen Âge via une première phase de développement de l'artisanat bourgeois du Quattrocento [64] à l'art autonome de la Haute Renaissance, qui mettait l'accent sur les traits aristocratiques de génie via la phase individualisée et hautement artistique du maniérisme avec ses arts de plus en plus spécialisés [65] à une phase baroque délibérée et contre-réformatrice avec son iconographie schématisée et généralement compréhensible , dans laquelle l'art perd ses traits spontanés et subjectivistes. [66]

Le danger d'une approche purement stylistique détachée de l'époque consiste dans l'inflation du concept baroque, ce qui signifie que les caractéristiques structurelles de l'architecture baroque ont également été transférées aux pièces de Shakespeare , par exemple . Mais même l'extension excessive d'un terme historique d'époque en l'appliquant à toutes les sphères artistiques possibles d'une époque ne tient pas suffisamment compte de la non-simultanéité du développement des caractéristiques stylistiques particulières des arts individuels.

Heinrich Wölfflin , dont nous ne savons pas s'il a lu Nietzsche, a développé une théorie psychologique du changement stylistique et de ses causes, [67]qu'il voit dans la "matité" des formes de la Renaissance. Chaque style est une expression de son temps, il s'use et change avec les changements des émotions humaines. Wölfflin s'est efforcé d'effectuer une analyse de style comparative qui devrait être exempte de jugements; À partir du concept descriptif de l'époque, il a développé un concept de style baroque comme modèle artistique de base. Ce faisant, il s'est débarrassé des attributs précédemment utilisés tels que "surchargé" et "artificiel" et a attribué le changement de forme à une disposition psychologique qui voit le monde comme un produit de décomposition et se caractérise par "l'intoxication" et "l'extase" et une nouvelle idée de la physicalité. [67] Cela se traduit par une morphologie modifiéede la structure et des représentations picturales : la représentation linéaire cède la place à une représentation picturale, la forme fermée à une forme ouverte, [68] la surface de profondeur, l'articulation des composantes (image etc.) de leur fusion. [69] La tangibilité est remplacée par l'obscurité et l'inscrutabilité [70] , la finitude par l'infini. [71] D'autres éléments sont la masse, [72] la monumentalité, [73] l'ornement et le mouvement. [74] En fin de compte, Wölfflin considérait toujours l'art de la Renaissance, qui était plus autonome, comme supérieur. [75]Cela s'est peut-être produit sous l'influence du néo-baroque , qui se voulait impérial et représentatif, et qui s'est rapidement répandu à la fin du XIXe siècle.

Dans cette façon de voir, qui se concentre sur des éléments stylistiques individuels, l' impressionnisme avec sa dissolution des contours clairs est une sorte de phénomène baroque, dont l'étude Wölfflin a apparemment conduit au développement de sa théorie. [76] De même, de nombreux aspects de l'architecture postmoderne peuvent être identifiés comme "baroques". [77]

Au tournant du XXe siècle, des théoriciens de la musique comme Hugo Riemann , qui concevaient l'histoire de la musique comme une histoire de style, opposent la vision de l'époque baroque comme une unité et l'hypothèse de l'unité de tous les arts . Pour lui, le style "baroque" s'appelait "musique de l' âge de la basse continue ".

Depuis Wölfflin, le monde du baroque a souvent été défini de manière antithétique : le monde objectif a été morcelé et dissous, et la pure subjectivité s'est imposée (même si Wölfflin a peut-être exagéré le contraste avec la Renaissance). [78] Les caractéristiques de ce monde baroque sont la peur de la mort et de la sensualité, la calculabilité mathématique du monde et l'illusionnisme. Cependant, la subjectivité débridée est domestiquée à l'époque baroque par la contrainte de se conformer à des règles fixes (composition, etc.), de sorte que le manuel et le mécanique prédominent dans l'art.

Walter Benjamin voit le début de la modernité dans les excentricités du drame baroque, dans son mode de présentation allégorique-monumental, structure mélancolique et antithétique de la tension constante entre ce monde et l'au-delà. [79]

L'Autriche

En Autriche, vers 1870 , Albert Ilg fut le premier à remettre en cause le baroque (il employa un mot féminin : le « baroque »), [80] dont les éléments stylistiques n'étaient jamais devenus impopulaires auprès de la cour impériale viennoise et de la haute noblesse (prétendument aussi pour des raisons d'économie, afin de ne pas devoir sans cesse s'adapter aux nouvelles modes de style) ; néanmoins, Ilg parle encore de "style de tresse" et "d'époque envahie".

Alois Riegl a développé plus avant la théorie de Wöfflin, qui, à son avis, manquait de justification pour son développement intérieur convaincant. [81] Il n'attribue plus les changements de style à des facteurs extérieurs, mais aux nécessités de la production artistique, qu'il illustre par l'exemple de l'ornementation. Il ne partage pas non plus les théories de la déchéance et de la décadence et la distinction entre arts sérieux et artisanat décoratif. Il parvient plutôt à sauver l'honneur du baroque (et de l' Antiquité tardive romaine ) en plaçant au premier plan la question de la continuité et de la dynamique interne de développement des arts.

Angleterre

Il n'y avait pas de style d'époque baroque cohérent dans l'Angleterre puritaine. La Contre-Réforme et le mysticisme n'ont pas prévalu ici, mais la pré-Lumières et le rationalisme, même si leurs représentants, comme John Milton , ont parfois utilisé des formes littéraires baroques. [82] En 1642, les Têtes rondes ont même interdit le théâtre. En conséquence, l'historiographie de l'art anglais a eu tendance à prolonger l'époque de la Renaissance jusqu'au XVIIe siècle et à y relier directement le classicisme palladien .

Espagne, Portugal, Amérique Latine

Les théories baroques allemandes ont conduit à une réévaluation du phénomène dans d'autres pays également. Ils se sont fait connaître dans les pays hispanophones et lusophones grâce à Walter Benjamin et Ortega y Gasset .

En Espagne, les écrits de Wölfflin se sont surtout diffusés grâce aux traductions du poète et peintre surréaliste José Moreno Villa . Les théories de Wölfflin ont été reprises par l'étudiant d'Ortega José Antonio Maravall (1911-1986), qui considérait le mouvement comme le principal principe esthétique de l'œuvre de Velázquez comme le principe le plus important de l'époque baroque et de la modernité. [83]

"Maya-Baroque": détail de construction du soi-disant couvent d' Uxmal (env. IXe siècle)
Église baroque du monastère de São Francisco à Salvador (Bahia) , Brésil (construite de 1686 à 1755)

L'historiographie artistique et littéraire a vu le baroque latino-américain d'abord comme une adaptation grossière des modèles espagnols, mais plus tard comme une expression esthétique du mélange des cultures, comme chez Alejo Carpentier . [84] Le baroque du Nouveau Monde ( Barroco de Indias ) est apparu à la suite de la " métissage "; Enfin, les similitudes stylistiques entre l'européen et le soi-disant « baroque maya » [85] (surtout le style Puuc d' Uxmal ), qui ont donné des formes architecturales élaborées au dialogue mystique entre les humains et les dieux, l'ont invité.

Après l'âge d' or du réalisme magique , la critique littéraire a eu tendance à voir dans le Barroco de Indias son propre code de communication, ce qui indique la confiance croissante en soi des classes bourgeoises créoles envers la hiérarchie laïque et spirituelle répressive sous le masque du conventionnel. canon de formes, comme dans l'œuvre du Péruvien Juan de Espinosa Medrano (c. 1629-1688), le « Tertullien américain », ou la religieuse mexicaine Juana Inés de la Cruz . Ce n'est que plus tard qu'une « pigmentocratie » créole remplace la hiérarchie cléricale et administrative autoritaire, qui s'approprie ce code et l'utilise comme signe de leur éducation.

La littérature néo-baroque latino-américaine du XXe siècle défie les Lumières et le réalisme européens ; il expérimente de nouvelles formes et tente une définition politico-culturelle d'une identité baroque « différente » en Amérique latine qui la distingue de l'Europe. Les caractéristiques de cet « autre » baroque sont l'imagerie, la fragmentation et la transculturation à travers la re-mythification et un langage performatif qui produit des sentiments et des affects physiques. Il y a des parallèles avec le théâtre jésuite . Il ne faut pas d'abord démêler les allégories (tout comme le drame latin jésuite restait non traduit) ; il faut plutôt suivre le mouvement des personnages. Les exemples sont le BrésilTeatro negro ou les pièces de théâtre populaires et les romans d' Ariano Suassuna . [86]

Cadeau

De nombreux écrivains modernes et historiens de la littérature voient désormais des parallèles ou des continuités entre le XVIIe siècle et nos jours en termes de questions existentielles, suscitant l'intérêt pour la période baroque et sa littérature. [87]

La vision du monde mécaniste du baroque et ses métaphores de la machine en font également un sujet important de considération littéraire, historique et sociologique à l'ère informatique. [88]

Autres formes de baroque

Avec une connotation ironique

Littérature

triés par ordre alphabétique d'auteur

liens web

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les détails

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  10. Erich Hubala : L'art du XVIIe siècle . Dans : Histoire de l'art des Propylées . Propyläen Verlag Berlin, Francfort-sur-le-Main, Berlin 1990, p. 207-211 .
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